尾形光琳（おがた・こうりん、1658–1716）は、江戸時代の京都に生まれた絵師・工芸家です。金地の屏風に燕子花（かきつばた）を描いた一方、黒漆の硯箱では、同じ花を貝のきらめきで表しました。江戸の漆工芸の歴史と光琳の生涯をたどると、素材が変わるたびに絵の見せ方まで変えた、その発想が見えてきます。
この記事では、歴史を説明する箇所では、台東区の資料に沿って「江戸漆器」と呼びます。江戸茶寮の「江戸塗り」は、和の色や文様を茶器に描く現代の絵付け体験の名称です。
目次
江戸漆器の歴史｜塗りの仕事と、蒔絵の仕事
漆は何に使われたのか
漆はウルシの木から採った樹液を原料とする塗料です。木などで作った器の表面を覆い、使うための強さと、光を受けたときの艶を与えます。漆で仕上げるものには、椀や重箱のような食卓の道具も、文箱や硯箱のような書の道具もあります。どんな場所で、誰が、何のために手に取るかによって、形や装飾の選び方は変わります。
漆工芸は江戸時代より前から日本にありました。江戸では幕府が置かれて町が発展し、武家や町人の暮らしのなかで器や調度品が求められるようになります。台東区の伝統工芸資料は、五代将軍徳川綱吉の時代に塗りと蒔絵の技術が進み、八代将軍徳川吉宗の享保期以降には日常の漆器が庶民にも普及したと紹介しています。華やかな調度品と、繰り返し手に取る生活の器。どちらも、江戸の漆工芸を考える手がかりです。
完成した表面の下に、どんな工程があるのか
台東区の資料によると、江戸漆器の製作には、樹液を採る漆掻き、器の形を作る木地師、漆を塗る塗師、装飾を施す蒔絵師などが関わります。素地の上に下地をつくり、漆を塗っては研ぎ、次の層へ進みます。目に見える上塗りの前に、表面の凹凸を整える仕事が何度もあります。漆の乾き具合は季節や湿度に左右されるため、同じ作業を同じ間隔で繰り返せばよいわけでもありません。
漆器を見るときは、豪華な模様に目を奪われる前に、模様のない面を少し眺めてみてください。暗く見えたところに光が映ったり、曲面の縁で艶が細く走ったりします。模様が少ない器でも、口の縁や高台の周りを見比べると、形に沿って整えられた表面そのものを味わえます。台東区では現在も、器や箸の制作に加え、神輿や仏具の漆塗りの修繕を手がける職人がいます。
蒔絵と螺鈿はどう違う？
蒔絵（まきえ）は、漆で表した文様に金粉や銀粉などを蒔いて装飾する技法です。螺鈿（らでん）は、光沢のある貝の部分を切り出し、器の表面などにはめ込んだり貼ったりする技法です。同じ花を表しても、蒔絵の粉がつくる輝きと、見る角度で色合いが変わる貝の輝きでは印象が異なります。漆が作品の地をつくり、その上で粉や貝、金属の見え方を組み合わせる。光琳の硯箱では、この違いが一つの場面を描き分けるために使われています。
尾形光琳はどんな人物？ 京都の呉服商から絵師へ
雁金屋で育ち、絵や文学に親しむ
光琳は1658年、京都の呉服商・雁金屋（かりがねや）を営む尾形宗謙の次男に生まれました。弟は、後に陶芸家として名を残す尾形乾山（おがた・けんざん）です。国立国会図書館の解説によると、光琳は呉服の意匠に触れる環境で育ち、能、書、絵、茶の湯、古典文学にも親しみました。
衣服の模様は、平らに広げた状態と、体にまとったときとで見え方が変わります。花をどこに集めるか、空けた部分をどう生かすかという見方は、屏風や器の意匠にも通じます。光琳の構図をすべて呉服商の出身だけで説明することはできませんが、絵と生活の道具を行き来した背景を考えるうえで、雁金屋の環境は一つの手がかりになります。
画業に取り組んだのは大人になってから
光琳は父の死後に財産を相続しましたが、貸金の回収難なども重なり、やがて経済的に苦しくなります。国立国会図書館は、先祖から伝わる屏風を質に入れ、弟の乾山に借金を頼んだことも紹介しています。本格的に画業に取り組むのは30代後半から40歳ごろとされ、1701年（元禄14年）には法橋（ほっきょう）に叙せられました。作品に見られる「法橋光琳」は、その肩書を含む署名です。
江戸に滞在していた時期には、材木商の冬木家などの支援を受けたとされます。京都の呉服商の家に生まれ、江戸でも制作したという経歴は、光琳を一つの土地だけで捉えにくい理由です。作品を注文した人や使った人まで考えると、大画面の屏風から手で扱う硯箱まで、光琳が異なる場に応じて仕事をしていたことが見えてきます。
弟・乾山と、器の上で仕事をする
乾山の陶器に光琳が絵を描いた合作も残っています。たとえば《銹絵観鷗図角皿（さびえかんおうずかくざら）》では、画題を角皿という限られた面に収めています。屏風なら鑑賞者は少し離れて左右を見渡します。皿なら、手元で角度を変えたり、縁から中央へ目を移したりします。大きさの違いだけでなく、見る人と作品の距離が変わると、絵の役割も変わります。
資料 国立国会図書館「琳派が生み、本が伝えたかたち」、ジャパンサーチ「尾形光琳」
尾形光琳の代表作｜花・水・橋をどう描き分けたか
《燕子花図屏風》｜反復する花と、花のない場所
根津美術館所蔵の国宝《燕子花図屏風》は、金地に群青の花と緑の葉を配した六曲一双の屏風です。根津美術館は、背景に『伊勢物語』第九段の八橋の場面があると解説しています。旅の途中で燕子花を見た一行が、「かきつばた」の五文字を句の頭に置いて歌を詠む場面です。光琳は人物や橋を画面に入れず、花の群れでその場面を想起させます。
似た形の花が繰り返されても、どこも同じ調子には見えません。花がまとまる場所と、金地が広く見える場所が交互に現れ、視線を次の花へ誘います。根津美術館によれば、一部に型紙を反復利用した箇所がある一方、花弁には顔料によるふくらみも感じられます。遠くからは模様のリズムを、近くからは一輪の色や形を見られるのが、この屏風の面白さです。
作品解説 根津美術館《燕子花図》
《八橋図屏風》｜同じ題材に、橋が入ると何が変わるか
メトロポリタン美術館所蔵の《八橋図屏風》では、燕子花に加え、折れ曲がる板橋が描かれています。花や葉の曲線の間を、橋の直線が横切ります。《燕子花図屏風》と見比べるなら、花を一輪ずつ見る前に、橋がどの方向に視線を運ぶか、金地の余白がどこに広がるかを追ってみてください。同じ物語の場面でも、橋を入れるかどうかで、見る順番が変わります。
《八橋蒔絵螺鈿硯箱》｜黒漆、貝、金属で描く八橋
東京国立博物館所蔵の国宝《八橋蒔絵螺鈿硯箱》でも、光琳は『伊勢物語』の同じ場面を取り上げています。ところが、今度の地は黒漆です。花はアワビ貝、葉と茎は金の蒔絵、板橋は鉛板、橋杭は銀板。屏風では絵の具で描いた対象を、硯箱では色や反射の違う素材に置き換えています。板橋が箱の面を横切るとき、暗い金属と貝の明るさが隣り合い、花と橋の存在感が際立ちます。
水の描き方にも注目できます。外側には流水を描かず、蓋を開けた内側に金の蒔絵で波を表しています。箱を閉じて眺めるときと、書くために開けるときとで、見える場面が変わるわけです。光琳の工芸を見るなら、材料の豪華さに加え、使う人がどんな順序で模様に出会うかにも目を向けてみてください。
作品解説 e国宝《八橋蒔絵螺鈿硯箱》
《紅白梅図屏風》｜中央の水流を主役として見る
MOA美術館所蔵の国宝《紅白梅図屏風》は、光琳の晩年の作と考えられています。白梅の幹の多くは画面の外に隠れ、紅梅は枝を大きく伸ばしています。対照的な二本の間には、水流が広がります。左右の梅だけを順に見ると、中央は木を隔てる場所に見えます。水の曲線から見始めると、今度は水流が左右の枝と花をつなぎ、画面全体の動きを決めているように見えます。
梅の花びらや流れる水を細部まで写し取る代わりに、丸い花の形や曲線の重なりを使い、見る人が花や流れを感じ取れる形にしています。何を残せば梅と分かるのか、どこを省けば水の動きが強く見えるのか。《燕子花図屏風》と同じく、題材をよく知ったうえで、画面に必要な形を選び取る光琳の仕事が見える一作です。
作品解説 MOA美術館《紅白梅図屏風》
琳派とは？ 時代を隔てて受け継がれた意匠
琳派（りんぱ）は、本阿弥光悦や俵屋宗達、尾形光琳・乾山、後世の酒井抱一らの仕事をゆるやかに結ぶ呼び名です。同じ工房で代々直接教えを受けた人だけで成り立つ流派ではありません。光琳は先行する宗達らの作品に学び、後に抱一らは光琳の作品から新しい表現を生み出しました。宗達、光琳、抱一がそれぞれ描いた《風神雷神図屏風》を見比べると、一つの画題が時代を越えて受け継がれたことが分かります。
光琳が使った形は、作品そのものだけでなく、本を通じても伝わりました。国立国会図書館が紹介する酒井抱一編の『光琳百図』のような図譜は、屏風や器を直接見られない人にも、構図や文様を知る機会をつくりました。金地や貝の光り方は紙の図版でそのまま伝わりません。それでも、橋の折れ方や花のまとまり方は伝わり、別の材料で試すことができます。
資料 京都国立博物館「琳派 京を彩る」、国立国会図書館「琳派が生み、本が伝えたかたち」
同じ題材を、三つの距離から見る
屏風、硯箱、茶器を比べると、模様を置く面の違いが分かります。屏風は離れて見渡せるので、花の群れと大きな余白が画面全体のリズムになります。硯箱は蓋と側面があり、目の高さを変えたり蓋を開けたりするたび、別の模様が現れます。茶器には丸みがあり、手の中で回すと正面に見えていた花が横へ移ります。
美術館の作品写真を見るときも、全体図で最初に目が留まった場所を覚えてから、部分図に移ると比べやすくなります。花の輪郭、橋の角、水の線のどれが自分の視線を動かしたか。そう考えてからもう一度全体を見ると、どの形を大きくし、どこに余白を残したかに気づけます。光琳の作品を手がかりに自分で器を彩るなら、そのうち一つだけを試すと、作品を見たときの発見を自分の制作につなげられます。
渋谷の江戸茶寮で、和の文様を茶器に描く
江戸茶寮の「江戸塗りプラン」は、和の色や柄を手がかりに茶器を彩る絵付け体験です。光琳の作品から発想を借りるなら、花をそっくり描くより、同じ形を三つ並べて間隔を変える、片側に柄を寄せて反対側に余白を残す、器を回したときに線がどう見えるか確かめる、といったところから始めてみてください。構図を一つ試すだけでも、自分の器に合った模様を見つけやすくなります。
体験の目安は約120分。茶器を選んで絵付けしたあとに抹茶と和菓子を楽しみ、完成した茶器は当日に持ち帰れます。体験の全体像は江戸茶寮の茶器絵付け・抹茶体験ガイドをご覧ください。予約時はSTORESで曜日、人数、対象プラン、空き状況をご確認ください。
江戸茶寮の江戸塗りプラン・空き状況を確認する（STORES）
江戸塗りと尾形光琳についてよくある質問
尾形光琳は江戸塗りを発明した人ですか？
尾形光琳は江戸時代の絵師・工芸家で、既存の漆工芸の技法を組み合わせて独自の意匠を表しました。江戸の漆器は、複数の職種と長い歴史のなかで発展した工芸です。
光琳の漆工芸を見るなら、どの作品から？
東京国立博物館所蔵の《八橋蒔絵螺鈿硯箱》が代表作です。まず蓋の花と橋を見て、次に箱の内側の波を探すと、素材と使い方に合わせた工夫が分かります。実物の公開時期は所蔵館の案内をご確認ください。
江戸茶寮では漆器の製作や蒔絵ができますか？
江戸茶寮の江戸塗りプランは、茶器に和の色や文様を描く絵付け体験です。職人が行う漆塗りや蒔絵とは工程が異なります。体験で使う道具や器は予約ページの案内をご確認ください。
